女性を理解し尽くした名匠 〜 映画監督 成瀬巳喜男

7月最終週のことですが、メキシコのシネマテーク(フィルムライブラリー)で、成瀬巳喜男氏製作映画の回顧展が開催されました。このイベントは、国際交流基金メキシコ日本文化センターの後援の下に開催される運びとなりました。開催にあたり日本の有名大学より、成瀬氏を専門的に研究してこられた教授が招待され、私は映画評論家として対談に参加することとなりました。私にとっては大変光栄な出来事でした。




成瀬氏の映画選集には、彼の晩年期である1950年代から、1967年に亡くなるまでに作られた、最高傑作12作品が含まれていました。ですから、私は数週間をかけ、この全てを鑑賞し考察することにしました。多忙の折、この作業に集中することは困難を極めましたが、この体験は思った以上に素晴らしく、満足のいくものでした。そのような訳で、この偉大な芸術家への私の熱中ぶりと、そこから得た発見を皆様と分かち合いたいと思います。残念なことに、現在の日本で、研究者や映画ファン以外の人々の間では、成瀬氏はあまり知られていません。それでも私は、このテーマに選ばずにはいられませんでした。それはひとえに、このテーマが私の心の奥深い琴線に、今も触れ続けているからに他なりません。

ヨーロッパやアメリカ合衆国といった西洋社会において、成瀬巳喜男(1905820日 東京生まれ)の作品に関連したものは、黒澤明、小津安二郎、溝口健二のずっと後になって注目され始めました。しかし、1980年代から、次第に西洋で、現存する成瀬氏の映画に着目し、深く研究する学者が増えてきました。成瀬氏の独自の人生観について、多くのことが熱く語られましたし、特に、女性たちの間ではなおさらでしょう。多くのフェミニスト学者たちが、彼について執筆しているというのも、少しも不思議なことではありません。
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それにしても、60年以上も前に成瀬氏が作った沢山の映画の、一体どこに、21世紀の観客は魅了されたのでしょうか?もし、1930年代製作のサイレント映画も評価に値するとみなすならば、成瀬氏の映画は70年以上も前に作られた映画であり、しかも、そのほとんどが白黒映画だったのです。

成瀬氏が主に描き続けた、家族のドラマや女性を題材とした、いわゆる「女性映画」「小市民映画」は、戦後の日本ではとても一般的なテーマで、日本でも長い歴史をもつジャンルです。そこへ占領下時代に同じく、家族や女性をテーマに作られたハリウッド映画が進出してきました。しかし、成瀬氏の映画と他のものとの違いを際立たせているのは、テーマに対する彼独自のアプローチだと言えましょう。女性の心を理解する天性の才能などは、驚くべきものです。しかし、soul(魂)、psyche(精神)、unconscious(無意識)の意味を理解するには、少し注意が必要で、私はメキシコの聴衆にkokoro(心)という言葉の意味を説明するのに苦労しました。

成瀬氏の映画の中で、女性たちは、献身と目覚めのエネルギーを表現しています。彼女達は、自らの体験から学び、ハートを通じて人生を理解することを男性達に教えようとします。成瀬氏は多くのドラマの中で、女性達の様々な生きざまと幅広い視点を表現しました。老いた女性や若い女性、優しく温和な女性と荒っぽい女性、伝統としきたりの中に生きる女性と、そこから自由である女性、のようにです。芸者、バーのホステス、主婦、あるいは女性記者であっても、そこに描かれる女性のすべてが、この世での自分の居場所を求めていました。戦後の社会と文化は、厳しく、先々の見通しは暗雲が立ち込めているかのようで、女性達が払わざるを得なかった犠牲は、計り知れないほど大きなものだったに違いありません。しかし私たちは、彼女達の生きざまに敬服します。映画を見た後には、人生の価値に対する理解の深まりを感じます。

成瀬氏のチャートの牡羊座の月によって、彼の女性性を示すアーキタイプは、生存競争の真っただ中を生きる生粋の戦士のような質を持っています。彼の映画に数多く出演した女優の一人、美しい美貌で観客を魅了した高峰秀子 1924327日 函館市生まれ)は、牡羊座の太陽を持ち、彼の代表作と言われている「浮雲」 1954年)では、戦士のように戦う女性を実際に演じました。彼女は経済的な生き残りをかけた戦いだけではなく、メランコリックで見るからに冷淡な土星的男性(山羊座の森雅之 が演じる)からの愛を得たいと戦う女性でもありました。
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成瀬氏自身は、困難な人生を歩んできたようです。彼は早くに父親を亡くしていますし、松竹蒲田撮影所、東宝撮影所で認められるのに長い時間がかかりました。彼が持つ、獅子座の太陽に対する土星のオポジションは、クリエイティブではあるものの、メランコリックで落ち着かない男性であることを示しています。蟹座での金星と海王星のコンジャンクションは、彼が女性に対して、天性の共感的理解力を持っていることを示しています。しかし、彼はフェミニストとみなされることはないと思われます。生命力あふれる女性性の裏に、深い悲しみの中にある男性エネルギーが、重く流れているからです。

私は成瀬氏の映画には、球体のようなイメージを持っています。そこでは、日常生活全ての側面がお互いに繋がり合っています。彼が撮る映画のシーンは、どの場面も完璧だといえるでしょう。球体の中では、時間と空間が流れていますが、軸(中心線)が壊れてしまっています。この軸(中心線)というのが、男性性を表しています。そして、私たちは、彼の代表作全ての中で、この象徴を見ることができるのです。分離された男性と女性は、互いの境界を超えようとしても、ふたつを分かつベールに阻まれます。奇跡のようなある微細な瞬間にだけ、そのベールは切り裂かれます。この瞬間、男性は、自身のハートを通じて女性のハートに気づくことができるのですが、この体験は男性にとってはとても厳しく辛い体験となるのでしょう。

「女が階段を上がる時」 1960年)では、銀座のバーのマネージャー(仲代達矢)はママ(高峰秀子)を大切に想っているのですが、彼は貞操を守る理想の女性としてのママだけを愛していました。ママが他の男性(森雅之)に身を許した時、仲代はママの胸の内を理解することはできましたが、それでもママを見捨てました。仲代は、現実を生きる女性と付き合うことができなかったからでしょう。そして、東京駅でのラストシーン、恋人(森雅之)が、ママを捨てたその瞬間、彼(森雅之)は自分にとってママがどれほどかけがえのない存在であったのかに気づきました。しかし、彼(森雅之)がママの目を見ることはついにありませんでした。成瀬映画では、男性と女性は、めったに目と目を合わせることはないのです。

成瀬氏の映画の中には、存在の痛みがそこかしこに流れているのですが、映画としてはわかりやすく鑑賞しやすいと思います。彼の映画は穏やかで、完璧に作られているからです。決して観客の感情を悪戯に動かすようなことはしませんし、彼の描く物語の中に悪人は出てきません。ただ、そこには人間が描かれているだけなのです。

私は、彼の映画全てを愛し、尊敬していますが、「山の音」1953年)には特に心惹かれます。それは、私が好きな日本の作家、川端康成の小説を脚色した映画だからです。通常なら、敬愛する小説を脚色した映画鑑賞は避けるのですが、「山の音」は、今まで見た中で最も素晴らしい脚色映画でした。川端康成の太陽と、成瀬氏の木星は、共に双子座です。川端康成の詩的な世界観を深く理解できることを示しています。主演女優にして、みめ麗しい原節子も、太陽が双子座なのです。

成瀬氏は、「山の音」のラストシーンに、公園(新宿御苑)を選びました。そこで、菊子(原節子)の義父(山村聰)は、息子の嫁の耐え難い悲しみを理解します。彼の息子は菊子をないがしろにし、その扱いはとても酷いものでした。このシーンは、目だけで語る二人と周囲360度の空間を使い、目と顔の表情を捉えた微細なカメラワークだけで撮っています。二人の間には沈黙が流れ、何の言葉も発しないことが、かえって語るべき言葉が重要であることをより一層際立たせました。このように義父は菊子に、「もう自由である」ことを伝えたのでした。彼は家長としての役割を果たすことで、若い菊子に離婚を決意させ主体性を促し力づけました。それは、純真なる共感を描いたシーン(山村聰は太陽が魚座)だったと思います。そのあまりに繊細なシーンをみるといつも、私は感動に涙がにじむのです。(終)

*シネマテーク:映画のフィルム・資料などを収集・保存し、上映する公共的施設。フィルム・ライブラリー。(広辞苑より)

翻訳:八田直美(八田占星学研究所

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MIKIO NARUSE: AN ARTIST WHO UNDERSTOOD WOMEN

This last week of July, the Mexican Cinemateque (Cineteca Nacional) organized a retrospective of the cinema of Mikio Naruse; the event was made possible with the support of the Fundación Japón en México (the Japanese Cultural Institute in Mexico) which brought a specialist from a prestigious university in Japan, and I was appointed, as a film critic, to participate in a talk with him, an honour for me.

The selection included twelve of the most important films of Naruse from his last period, his masterpieces from the decade of the 50’s up to his death in 1967; for this reason, I had to spend a couple of weeks watching and studying all of them; it was hard to concentrate on this because of my busy schedule, but the experience was incredibly rewarding. Thus, I want to share my enthusiasm and my discoveries about this great artist, who, I am afraid, is not so well known nowadays in Japan beyond the circle of scholars and cinema fans. I cannot but choose this theme; it has been so deep in mind.

The relevance of the work of Mikio Naruse (Aug 20, 1905, Tokyo) in the Western World (Europe and USA) was a late discovery, much later than Kurosawa, Ozu, and Mizoguchi; but starting from the 80’s, more and more Western scholars are seriously studying the surviving Naruse films, we could even talk of a sort of fever about him and about his unique vision of life, especially among women, no wonder so many feminist scholars are writing about him.

What makes this bunch of movies made more than 60 years ago (70 if we think that his silent films made in the 30’s are also enormously appreciated), most of them in black white, so appealing for the XXI century audience?

The main themes of Naurse, home dramas, stories of women, josei eiga or shoshimin eiga, were very common in the post war years; besides the long tradition in Japan of these genres, there was a sort of invasion from Hollywood movies with the same themes during the occupation. But what distinguishes Naruse’s films from others is his unique approach to treat those themes; his genius to understand the feminine subjectivity is astounding. Knowing that words like soul, psyche, unconscious, can be tricky to translate in Japanese, I tried to explain the word kokoro to the Mexican audience.

In Naruse’s movies women represent the energy of support and awareness; they learn by themselves and then try to teach men to see life through the heart. In most of his dramas, Naruse offers a range of different points of view from different kinds of women, old and young, mild and wild, traditional or modern; geisha, bar hostesses, housewives, even female writers, all of them want to find their place in the world. The society and the culture of the post war years were tough and bleak, the price those women had to pay was very high; but we admire them, and after watching the film, we feel that we understand more the value of life.

With Moon in Aries in his chart, Naruse’s female archetype was pure struggle for life; one of his main actress, wonderful Hideko Takamine (March 27, 1924, Hokkaido) was an Aries, and in Ukigumo (1954), considered for many his masterpiece, the character she plays is a real female warrior, fighting not only for economic survival, but for the recognition of the man she loves, a melancholic and apparently cold Saturnian man (Masayuki Mori, the actor, was a Capricorn).

Naruse, himself, had a hard life, he was and orphan and it took him long time to be accepted by his bosses (Shochiku and then Toho productions); he had Saturn in opposition to the Sun in Leo, which shows a creative but melancholic and insecure man; with his Venus conjunct to Neptune in Cancer, he had a natural empathy and compassion towards women, but we cannot define him as a feminist; underneath the stream of female vitality, the sadness of the masculine energy flows very dark.

My image of Naruse’s cinema is a sort of sphere where all aspects of everyday life are connected, his sequences are perfect; space and time flow within that sphere, but the axis is broken, and that axis represents man. You can see that in all of his masterpieces, there is a veil separating the sexes, men and women cannot cross the threshold; only in very special and subtle moments that veil is torn. At those moments a man can see the female heart through his own heart, but this experience is very tough for men.

In Onna ga kaidan agaru toki (1960), the manager of a bar in Ginza, (Tatsuya Nakadai) worships the Mama san (Hideko Takamine), but he can only love her chastely as an ideal woman; when she falls for a man (Masayuki Mori), Nakadai, though he understand her reasons, he abandons her because he cannot deal with the real woman. And in the final scene in the train station, when her lover (Mori) abandons her, he understands at that moment how exceptional she is, but he dares not looking into her eyes. Men and women rarely make eye contact in Naruse’s films.

In spite of the pain about existence that runs through his cinema, his movies are easy to watch because they are smooth, perfect; he never plays with his audience emotions, there are not bad people in his stories, only humans.

I love and admire all his films, but I have a particular attraction to Yama no oto (1953); it was adapted from Kawabata’s novel, my favourite Japanese writer; normally, I avoid watching films adapted from novels I admire, but this is the best film adaptation I have ever seen. Yasunari Kawabata was a Gemini, and Naruse had Jupiter in Gemini which stands for a deep understanding of the poetry and the vision of the novel; the exquisite Setsuko Hara was also a Gemini.

Naruse chose to end Yama no oto in a park (Shinjuku Goen); there, Kikuko’s (Setsuko Hara) father in law (So Yamamura) understands her unbearable grief because his own son has neglected her and treated her very badly. This scene is shot with subtle movements of the camera that capture the eyes and facial expressions of both of them, the language of the eyes and the 360 degrees of space around them; in the dialogue, the silences, what is not said, become more important that what is said. Then, the father in law tells her daughter in law that she is free; he empowers the young woman thus rising himself above his role as a patriarch. It is a scene of pure compassion (Yamamura was a Pisces), so subtle that it moves me to tears every time I watch it.(the end)

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by Xavier_Astro | 2017-09-01 00:00 | 人物  

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